Killers of the Flower Moon : ces cinq minutes qui font du film un chef d’œuvre

Martin Scorsese sait faire du cinéma. Depuis plus de cinquante ans, même. A voir son nouveau film, on ne peut que le confirmer. Mais, Killers of the Flower Moon n’est pas que l’étalage réjouissant du talent certain du cinéaste, mais prouve aussi qu’il ne cesse d’innover et de creuser avec toujours plus de finesse et d’intelligence les thèmes récurrents de son œuvre.

DiCaprio, de Niro, une histoire d’ascension et de chute terrible, des mafieux et des meurtres, tout va bien, on est bien chez Scorsese. Killers of the Flower Moon est une nouvelle variation du schéma de rise and fall cher à Scorsese, dans un espace alors inexploré de sa filmographie : le Far West tardif.

Au début du XXe siècle, le peuple amérindien des Osages deviennent richissimes grâce au pétrole sous leurs terres. Arrivant habilement à tirer profit de l’or noir, ils cohabitent avec les colons blancs. Ceux-ci, menés par King Hale (Robert de Niro), ne se satisfont plus des façons légales de profiter de l’argent des Osages, et commencent à élaborer des complots bien plus sanglants. Ernest Buckhart (Leonardo DiCaprio), le neveu naïf et cupide de King, sert d’intermédiaire entre les Blancs et les Osages, grâce à son mariage avec Mollie, riche héritière.

Pendant 3h30, Scorsese conte cette histoire de trahisons, d’assassinats et d’amour, dans un rythme trépidant. Il s’enfonce de plus en plus profondément dans la noirceur de l’âme humaine, multipliant les péchés de ses personnages. Pris dans le mensonge, tiraillé entre deux familles, Ernest Buckhart synthétise tous les déchirements des personnages scorsesiens, et s’avère un digne héritier d’Henry Hill (Les Affranchis) et de Jack LaMotta (Raging Bull). Son parcours est donc peu surprenant pour le connaisseur de la filmographie de Scorsese, dont l’essentiel se résume à s’élever dans la société en devenant malveillant et violent, et voir tout son monde s’effondrer. En ce sens, Killers of the Flower Moon est dans la lignée des grandes tragédies de Scorsese, mais fascine par l’ambiguïté du personnage principal, vrai amoureux, naïf et soumis à son oncle, semblant faire le mal par erreur et par peur. Plus dure sera la chute.

Malgré la longueur de son film, Scorsese nous captive encore. La réalisation est magistrale (et Apple TV, producteur du film, n’a visiblement pas hésité à laisser le Martin complètement libre en termes de budget). Chaque plan est infiniment travaillé, on ne compte plus les mouvements complexes de la caméra, les superbes plans d’ensemble à la grue rendant compte de la taille gigantesque des exploitations, les travellings dans ces décors incroyablement réalistes et majestueux. La troupe d’acteurs est dirigée d’une main de maître, à commencer par DiCaprio et Lily Gladstone, impressionnante dans ses moments de douleur et de maladie, jusqu’aux seconds rôles, tous plus crapuleux les uns que les autres. Notons tout de même les dialogues parfois laborieux, en particulier lors des têtes-à-têtes entre de Niro et DiCaprio, le plaisir qu’éprouve Scorsese à les réunir se traduit parfois dans des étirements inutiles de répliques qui tournent en rond.

Pendant 3h20, on assiste donc, émerveillé, à un grand spectacle de cinéma. C’est alors que Scorsese change brusquement de dispositif et ose une séquence de fin absolument fabuleuse et inattendue. A la fin du procès, un fondu au noir suggère l’arrivée du générique et l’éventuelle explication finale sur le sort de nos héros. Au lieu d’un simple et efficace texte blanc sur fond noir, un présentateur radio surgit et prend en charge le récit. Un plan d’ensemble dévoile un public assistant à l’enregistrement en direct de cette histoire. Les personnages du récit sont doublés par des comédiens et un ingé son crée le sound design associé au séquence (bruits d’écriture, de verres qui s’entrechoquent, de machine à écrire…). Cette séquence méta, déjà extrêmement réjouissante, devient un réel petit chef d’œuvre quand s’avance la dernière personne à parler, qui n’est autre que Scorsese lui-même. Après avoir lu la rubrique nécrologique de Mollie, il constate, sur un ton dépité, qu’il n’y a aucune mention des innombrables meurtres commis envers les Osages et les membres de sa famille.

Scorsese se positionne alors comme le rétablisseur d’une histoire oubliée, transformant son film en vrai devoir de mémoire. Son choix d’acteurs amérindiens et le point de vue adopté au long du film contrastent avec tout un pan de l’histoire du cinéma américain, qui, dans le premier âge du western, glorifiait le massacre des Indiens au profit de la naissance de la nation. Scorsese, après avoir utilisé les codes du spectaculaire hollywoodien pendant tout son film, fait un pas de côté et rend compte de cette face cachée de l’histoire. Endossant la responsabilité morale de retranscrire l’atrocité commise envers les Osages, il réunit les communautés et tente de restaurer la confiance, dans le langage qu’il maîtrise avec brio, celui du cinéma.